历史文化

【解释】：原意是让闪光的金纸把人弄迷糊了。意指沉醉于富丽的环境，比喻奢侈豪华的享乐生活。 【成语典故】：这个成语，出自宋•陶谷《清异录•金迷纸醉》。唐昭宗时，有个专治毒疮的医生名叫孟斧，闻名全国。由于他医术高明，宫中如有人生了毒疮，唐昭宗便召他进宫医治。 因为经常出入皇宫，所以他对皇宫的一切很熟悉，尤其孟斧看到皇宫里的人们总是过着荒淫奢侈的华丽生活，更是印象深刻。后来黄巢带领的起义军叛变攻打长安，他吓得急忙逃出长安，躲到四川。 在四川，孟斧因为想念皇宫中的生活，因此在购置新居后，将其中的一个小房间，按照宫中的样子布置起来。 这房间小巧玲珑、窗户明亮，室内的柜橱、桌子、椅子、茶几等家具，全部贴上一层薄薄的金箔。灿烂的阳光透进窗口，照射在这些用金箔包着的器具上，只见满屋金光闪耀，光彩夺目，令人眼花缭乱。 每次有亲戚或朋友来，孟斧都要请他们参观这个房间，让他们大开眼界，赞叹不已。 这些亲友离开孟斧家，回去都会对别人说：“在孟斧的那个贴金箔的小房间里待一会儿，便能令人纸醉金迷！”  

提到卢沟桥，总不免让人联想起卢沟桥事变。1937年7月7日的“七七事变”在此处发生，也拉开了持续八年之久的抗日战争的序幕，“卢沟桥”因此成为具有历史意义的纪念性建筑物。　　　　　　　　 卢沟桥位于北京城西南13公里、丰台区宛平县城西门外，跨永定河之上（旧称卢沟河），它是北京最古老的石造多孔联拱桥。始建于金大定二十九年（公元1189年），成于明昌三年（西元1192年）。至今已有八百多年的历史。在金代，卢沟河是出入京都南北的交通要道，同时亦是军事要地。 卢沟桥的石狮（公有领域） 该桥曾于元、明两代重新修缮，据史料记载：清朝康熙年间因洪水泛滥，冲毁此桥。在离桥的东北边十二丈的地方重新修筑，即今东边算起的第一、第二两孔是重修的，其余各孔则是金代的原始建筑。 桥全长212.2米，宽9.3米，计入两端桥堍总长约266.5米。全桥共有11个桥孔，各孔的跨径和高度均不相等。采用两边桥孔小、依次向中央逐渐增大的韵律设计建筑法，形成了优美的桥型。早在金代，此桥就被列为“京师八景”之一。 全桥有十个桥墩，基础为木桩基。其宽度为5.3米至7.25米不等。每个桥墩上游的迎水面上，砌成分水尖，每个尖端安装着一根边长约26厘米的锐角朝外的三角铁柱，这是为了保护桥墩，抵御洪水和冰块对桥身的撞击，人们把三角铁柱称为“斩龙剑”。在桥墩、拱券等关键部位，以及石与石之间，都用银锭锁连接，以互相拉联固牢。该桥可谓“石工鳞砌，坚固莫比”。 卢沟桥的两侧有281根望柱，石栏柱北侧有140柱，南侧有141柱，石栏柱高1.40米，两柱间距约1.8～2.0米，柱头刻着莲花座，座下为荷叶墩。望柱中间嵌有279块高85厘米的栏板，栏板内侧与桥面外侧均雕有宝瓶、云纹等图案。每根望柱上有金、元、明、清历代雕刻的数目不同的石狮，其中大部分石狮是明、清两代原物，金代的已很少，元代的也不多，神态各异，栩栩如生。明代蒋一葵在《长安客话》中言，卢沟桥左右石栏刻为狮子，“凡一百状，数之辄隐其一”，指的就是小狮子或藏或露，变化万千，难以计算之故，所以自古有“卢沟桥石狮数不清”的歇后语流传。 人们游卢沟桥，除了伫立桥头，欣赏桥上美丽风光之外，总会在桥上停下脚步，抚摸、观赏石柱顶端的石狮子，数数桥上大大小小的石狮子。乍数石狮，有些小狮子背在大狮子身上，有的手抱一只、胸前一只、脚底踩一只，或蹲、或伏，或大抚小，或小抱大。石狮子神态各异，雕饰工巧，栩栩如生，生动活泼，逼真动人。 据统计：卢沟桥上的石狮共有479只之多，其中大狮子281只，小狮子198只，加上桥东栏杆上的两只大狮、华表莲座上的四只坐狮，总共为485只。再加上于桥下泥沙中发现的，总共有498只。 在桥的两端各设有华表4根，高约4.65米，无论是近看或远望，其高度与体积同桥的比例很协调。桥畔两头还各筑有一座正方形的汉白玉碑亭，每根亭柱上有盘龙纹饰雕刻。尤以桥的东端北侧御碑亭的石碑上，刻有清乾隆皇帝御笔亲题的“卢沟晓月”最为知名。桥两头的石狮、碑亭加上华表、栏杆、御碑亭、碑刻等，组成了具有民族特色的桥头建筑。 卢沟桥是一座中外闻名的古桥。十三世纪末的意大利人马可•波罗在他的游记中写道：“河上有一座美丽的桥，各处桥梁鲜有及之者……建置甚佳。老实说，它是世界上最好的、独一无二的桥”。他称赞卢沟桥为“汗八里的美丽石桥”。 卢沟桥是中国北方现存最悠久的大型联拱长桥。“卢沟晓月”也是著名的“燕京八景”之一。  

公元1063年黄历3月，54岁的宋仁宗去世了。  消息从皇宫传到街市，开封街头的一个小乞丐，起初一愣，接着竟放声大哭，踉踉跄跄就往皇宫跑。谁知宫门外早挤满了人，褴褛的乞丐、斯文的书生、稚气的小孩……哭作一团，披着白麻，烧着纸钱，给皇帝“送别”。 第二天，焚烧纸钱的烟雾飘满了开封的上空，以至天日无光。  消息从大宋传到辽国，彪悍的辽国君主也大吃一惊，冲上来抓住宋国使者的手：“你说什么？他老人家怎么就过世了？”说着眼泪就掉了下来：“我要给他建一个衣冠冢，寄托哀思。”  宋仁宗明孝皇帝肖像，收藏于国立故宫博物院。 （公有领域） 从贫民到敌人，都舍不得他离去——皇帝做到了这份上，大有“偶像巨星”之势。 700年后，乾隆皇帝表示：平生最佩服的三个帝王，除了他的爷爷康熙和唐太宗，就是宋仁宗了。  宋仁宗是独子但并不受宠 宋仁宗出生时，那一声婴儿的啼哭，让伸长脖子的文武百官大大松了口气——在他之前，所有的皇子都夭折了。于是他取名“受益”，5岁封庆国公，9岁为太子，在13岁时父皇一驾崩就改名赵祯，登基为帝。  但殊不知，宋仁宗的少年时光，却过得异常艰难——他的糊涂父皇，那个签下了“澶渊之盟”的宋真宗，竟然时刻担心大臣们会利用太子架空自己。 宋真宗越看儿子，越有“被害幻想症”，连弥留之际，真宗满脑子都在想：这个儿子不可信，只有把权力交给皇后。  经过父亲的“严防死守”，13岁的少年赵祯即位之后，也没什么舒心日子，最大的考验来自他的“母后”——章献太后。  拜《狸猫换太子》的“戏说”所赐，人人都知道，宋仁宗的生母是李妃，而章献太后正是戏中的坏人刘皇后。但实际上，章献太后非但不是“奸妃”，反而聪慧敏捷。章献太后垂帘听政11年，在历史上评价很高，常与汉代吕太后、唐代武则天并称，史书称其“有吕武之才，无吕武之恶”。  宋仁宗自幼聪慧，在孩童之时，就能一眼洞穿父亲的宠臣王若钦“实是奸邪”。他酷爱书法，一手“飞白体”，练得极为神妙。或许，练字就是练心。赵祯有对弱者的同情、对世事的宽仁。正是这一点，决定了北宋初年改革的走势——高潮短暂，余音很长。  范仲淹新政 公元1033年，宋仁宗亲政。他太清楚自己接手的烂摊子：父亲当年爱面子、好排场，为了弥补“澶渊之盟”里受伤的自尊心，竟然一口气把“五岳”都封禅（指皇帝受命于天下古典祭祀，封为祭天，禅为祭地）了。想当年，唐太宗想封禅一座华山，都因为太贵而作罢。可想而知，宋朝的国库消耗到了何等地步。  宋仁宗上任后的第一把火，就是振兴经济。对外平息战争，对内作风俭朴，从而扭转了经济颓势，开创出了一个黄金时期。至此，他才进一步寻求更加彻底的改革。  ...

【解释】：比喻对双方的斗争采取旁观的态度，等到双方都受到损伤，再从中捞取好处。 【成语典故】：成语出自西汉•司马迁《史记•张仪列传》：“两虎方且食牛，食甘必争，争则必斗，斗则大者伤、小者死；从伤而刺之，一举必有双虎之名。” 战国时期，韩国和魏国互相攻伐，打了整整一年，还没有停止。秦惠王便召来群臣询问意见。 陈轸说：“从前有个人叫卞庄子，看见两只老虎，就想举剑刺杀它们。旁边的人劝他说：‘你不必着忙，你看两只老虎在吃牛，一会儿把牛吃光了，它们必然会争夺，由争夺而引起搏斗，大虎受伤，小虎死亡。到时你再将那只受伤的大虎刺杀，岂不是一举而得到两只老虎吗?’” 秦惠王恍然大悟，“你的意思是说，先让韩国和魏国打一阵子，等着一个大败，另一个受损时，我再出兵讨伐，就可以一次打败他们两个国家，就与那卞庄子刺虎一样，是吧?”陈轸点点头，说：“正是这样!”秦惠王采纳了陈轸的意见，真地夺下两国的几座城池。   

五亭桥，位于江苏省扬州市的瘦西湖畔，是瘦西湖的标志之一，因其桥上建有五亭而得名，又因建筑于莲花堤上，形状象一朵盛开的莲花，故又称莲花桥。它是一座风格独特的石拱桥，也是中国风景名胜中独一无二的景观。 乾隆二十二年（公元1757年），当时的扬州巡盐御史高恒，迎奉乾隆皇帝到扬州，为了讨皇帝欢心，特雇请能工巧匠设计建造这座“上置五亭，下列四翼，洞正侧凡十有五”的风格独特的石拱桥。 扬州五亭桥（公有领域） 当初本想借鉴北京北海之景的形态建造，欲将北京北海大桥、五龙亭和白塔三景集于一处。五龙亭的五亭临水而建，可是瘦西湖太窄，没有北海水面开阔，无法将五龙亭依样兴建，工匠别出心裁，构思巧妙地将亭与桥合而为一，形成“亭桥”，分之为五亭，群聚于一桥之上，亭与亭之间以廊连接，形成完整的屋面。 在这一座长达五十五米的石拱桥二、三丈宽的桥身上，矗立着五座亭子。桥与亭巧妙地和谐配置。中间一亭最高，为“重檐四角攒尖亭”建筑，南北各二亭分列四翼，互相对称，拱衬出主亭，均为“单檐攒尖亭”。 五亭都是黄瓦、青脊、朱柱、白栏，飞檐下画栋雕梁，卷角飞甍，彩绘典丽，金碧辉煌。亭内天花板上有彩绘藻井，周围石栏的柱端皆有雕凿精巧的狮形，桥下有由大青石砌成的四翼，分置十五个卷洞，洞洞相通，皆能行船。 造桥者将桥身建成由三种共十五个不同的卷洞联系，而形成空灵的拱卷形，桥正中的桥孔最大，跨度为7.13米，呈大的半圆形，直贯东西。 两旁的十二个桥孔亦呈小的半圆形，布置在桥础三面，可通南北，桥阶洞则为贯通东西的扇形。拱脚两侧各以三面有小半圆券的墩台。由正面望去，连同倒影，形成大小不一、形状各殊的五个桥孔，石桥平面为工字形，在直线的转角中安置了曲线的桥洞，桥与亭自然就配置和谐了。桥基雄威，桥亭秀美，整体造型纤巧、比例适当，集稳重大方与玲珑剔透于一体。 五亭桥造型和结构，在工程技术上是比较复杂的，在保存下来的的古桥中，它具有独特的风格。后人把桥基比成北方威武的勇士，而把桥亭比做南方秀美的少女，是力与美、壮与秀的和谐。建筑风格精巧地将园林设计和桥梁工程结合，特点是阴柔阳刚、南秀北雄，成为中国桥梁建筑史上的一颗明珠。 如果以一个婀娜多姿的窈窕淑女来形容瘦西湖，那么五亭桥就像一条五朵莲花组成的腰带，紧束着瘦美人的腰肢，更显出迷人的风姿。 每当满月之夜，各个卷洞都衔一水月，众月争辉，在银光荡漾的美景中，泛舟穿梭于桥洞间，别具情趣，令人心醉不已。  

古训嘉言可以作为今日之借鉴，从中吸取经验和教训。在《劝忍百箴》一书之《色之忍》篇中，晋国国君晋献公因贪色，而导致家庭不幸与国家大乱。  【原文】晋之乱，以骊姬；吴之祸，以西施。汉成溺，以飞燕，披香有“祸水”之讥。  【大意】晋国的祸乱，是因为骊姬。吴国的灭亡，是由于西施。汉成帝因为过于溺爱赵飞燕，披香殿里才有了“祸水”的讥讽。  《晋文公复国图》局部，作者北宋李唐，现收藏于美国大都会艺术博物馆。（公有领域） 本篇主要为读者介绍其中的一则故事——晋之乱，以骊姬。骊姬之乱是中国历史上有名的典故，其记载主要见于《左传》和《史记》。  骊姬，春秋时期骊戎国君之女，晋献公妃子，晋君奚齐的生母。 晋献公有多个儿子。其中，太子申生的母亲是齐桓公之女，名叫齐姜，很早去世。太子申生的同母妹妹穆姬是秦穆公的夫人。公子重耳的母亲，是翟国狐氏的女儿——大戎狐姬。公子夷吾的母亲，是重耳母亲的妹妹小戎子。骊戎族人把骊姬许配给了晋献公，骊姬生下一子，取名奚齐，她陪嫁的妹妹生了卓子。  骊姬害死了太子申生，逼走重耳、夷吾，以立其子奚齐为储君。晋国后来发生大乱，最后奚齐和卓子又先后被杀。  晋献公五年（公元前672年），晋献公攻打骊戎，结果晋军一战而胜，骊戎求和将骊姬与其妹少姬献给晋献公。骊姬姿色艳美。晋献公得到骊姬姐妹二人后，对她们十分宠爱。后来，晋献公将骊姬立为夫人，骊姬生下儿子奚齐，而骊姬的妹妹少姬生子卓子。 当初，晋献公想立骊姬为夫人，于是用龟甲来占卜，占卜的结果不吉利；然后用蓍草占卜，结果吉利。晋献公说：“按照蓍草占卜的结果办。”占卜的人说：“蓍草之数短而龟像却长，不如按照龟卜。而且它的繇辞说：‘专宠会使人心生不良，将使您的德行亏损。香草和臭草放在一起，十年以后还会有臭气。’一定不能这么做。” 晋献公不听，把骊姬立为夫人。后来，果然发生“骊姬之乱”。  骊姬以美色获得晋献公的专宠，她阴险狡诈，献媚取怜，逐步博得晋献公的信任，并使用离间技挑拨晋献公与儿子申生、重耳、夷吾的感情，迫使申生自杀，重耳、夷吾逃亡，改立自己所生之子奚齐为太子。  晋献公十二年，骊姬为晋献公生下儿子奚齐。据《左传》记载，骊姬受到宠爱，想立自己的儿子为太子，贿赂男宠梁五和东关嬖五，让他们对晋献公说：“曲沃是君王的宗邑，蒲地和二屈是君王的边疆，不可以没有强大的地方官。宗邑缺乏有力的主管，百姓就不会畏惧；边疆没有有力的主管，就会引起戎狄侵犯的念头。戎狄有侵犯的念头，百姓就会轻视政令，这是国家的祸患。如果让太子主管曲沃，又让重耳、夷吾主管蒲地和二屈，就可以使百姓畏惧、戎狄害怕，而且可以彰显君王的功绩。”  骊姬又让这两个人一起对晋献公说：“狄人广漠的土地，如果归属晋国，可以在那里开疆辟土。晋国开疆辟土，不也恰当吗？”晋献公听后很高兴。 夏季，献公让太子申生去驻守曲沃，公子重耳去驻守蒲地，公子夷吾去驻守屈地，别的公子也都驻守在边境上，只有骊姬的儿子和她妹妹的儿子同献公一起驻守在绛城。晋献公就这样疏远了这三个儿子。晋国人据此推知，太子申生将不会继位。 骊姬又伺机废掉太子申生。据《史记》记载，晋献公私下对骊姬说：“我想废黜太子申生，让奚齐做太子。” 骊姬哭着说：“太子被立，诸侯都已知道，而且他数次领兵，百姓都拥护他，怎么能因我的原因而废掉嫡子改立庶子？您一定要那样做，我就去自杀。”骊姬表面佯装称誉太子，暗地里却让人诽谤太子申生，想立自己的儿子为太子。  晋献公二十一年，骊姬对太子申生说，晋献公曾梦见他的母亲齐姜，让他速去曲沃祭祀一番，回来后把祭祀用的胙肉献给晋献公。太子申生于是到曲沃祭祀母亲齐姜后，将胙肉献给晋献公。  ...

“故天将降大任于斯人也，必先苦其心志，劳其筋骨，饿其体肤，空乏其身，行拂乱其所为，所以动心忍性，曾益其所不能。”孟子的这篇《生于忧患死于安乐》好像在预示米开朗基罗的人生。 米开朗基罗 侮辱和奋进 一五零三年，政治教皇尤里乌斯二世（Julius II）召米开朗基罗到罗马为他建造陵墓。当米开朗基罗历经千辛万苦，用了大约三年，终于将开采到的大理石运到罗马时，教皇却让这位雕塑家去改画西斯廷教堂的天顶壁画！这让人想起西藏白教始祖密勒日巴佛（一零五二年至一一三五年）的修炼故事。密勒日巴的师父为了消去他的罪业，让他受苦行，在山上盖房子，盖了拆、拆了盖，反反复复。除此之外，密勒日巴还遭受上师的打骂。米开朗基罗又何尝不是如此。教皇的羞辱，工资的拖欠，战乱，家人带来的困扰…… 尽管对教皇停止雕塑、改作壁画的决定感到震惊，但一五零八年，米开朗基罗还是开始为西斯廷教堂天顶创作湿壁画。开始工作之前，他只提出了一个条件：由他全权决定绘画的内容，并且任何人都不得干涉他的这项工作。 一五零九年秋初，三分之一的面积已经完成，米开朗基罗却高兴不起来，他曾多次在给家人的信中提到：“这里的工作让我身心极度疲惫。”“我在这里过得很焦虑，连个朋友都没有，也不想有任何朋友。” 《创造亚当》是米开朗基罗创作的西斯廷教堂天顶画《创世纪》的一部分，创作于1511至1512年间的文艺复兴全盛期。这幅壁画描绘的是《圣经•创世纪》中上帝创造人类始祖亚当的情形，按照事情发展顺序是创世纪天顶画中的第四幅。 瓦萨里的《画家、雕塑家、建筑师列传》里写了这样一个小故事：一天，教皇忍不住想去一睹工程进度，到了晚上，等乔装打扮的教皇溜进去之后，米开朗基罗早有防备地从手脚架后抄起木板砸向教皇。后者不禁破口大骂，愤然逃离现场。在巨大的创作压力、长时间的工作压力和其它烦恼中，有这样大的肝火也并非他人都能理解和想到的。而这样大的肝火，又怎能不伤害自己的健康、甚至在自己的脸上刻下痕迹呢？“人恒过，然后能改。” 值得一提的是，同时间在教堂的另一个房间里，教皇让拉斐尔开始了《圣礼争辩》这幅大型壁画的绘制。比起在天顶上作画的米开朗基罗，拉斐尔的工作显然要愉快很多。一五一零年初，完成第一幅画不久，拉斐尔又开始了《雅典学院》的创作。米开朗基罗对这两个拉斐尔的项目的感受我们不得而知，压力和竞争感应该是无可避免的。冥冥中又应了中国的儒家古训：“内心困惑，思绪阻塞，然后才能有所作为。” 一五一零年的前几个月里，他最亲近的一位哥哥去世，工作的繁重却让他无法回家奔丧。苦恼和困扰中，他完成了《逐出伊甸园》，用简单明了的构图画出“万恶淫为首”这个告诫——画面的中央是一棵无花果树，象征肉欲；画面左边，未尝禁果的夏娃体态丰满、双颊红润；画面右边，当被驱逐出伊甸园时，夏娃则变成了一个丑陋的老太婆、腰弓背驼。在这个对原罪和伊甸园的精辟讲解中，我们是否看到了上帝的慈爱、忧虑的眼神？ 《创世纪》的恢弘 当时的背景是，整个社会处于战事状态，罗马教廷与意大利和法国的冲突在扩大，米开朗基罗很想回家却不得如愿。到一五一二年七月之前，他已经完成了《创世纪》主体内容和大部分旁支区域。《上帝分开昼夜》是九幅中构图最简约的一幅，也是他的整组壁画中公认的用仰角透视法以来最成功的一幅作品，在同类作品中也属顶级。据说这幅近六十平方英尺的画面，仅用了一天时间就完成了。这何尝不是一个修道者经受磨砺走向成功的故事和奇迹？ 到了八月，佛罗伦萨已被战争围绕。米开朗基罗写信让家人逃出去避难。《米开朗基罗书信集》第一卷收有他写给父亲的这样一段话：“我的日子过得很悲惨，繁重的工作让我疲累，千般焦虑惹我烦恼，就这样，我这大概十五年来，从没有一刻快乐。” 一五一二年十月底，西斯廷教堂总面积达五百三十余平方米的天棚壁画完成了。从三十三岁开始，为了这组巨型壁画，米开朗基罗常常不眠不休地工作。四年五个月后，由于长期仰面作画，他的颈项僵直了。教皇委托的壁画内容是十二宗徒，但是米开朗基罗决定用《圣经》旧约的故事，从开天辟地，一直讲到洪水方舟。在这组天顶壁画中，三百四十三个《圣经》人物形态各异、满身故事、灵动传神，时隔五百多年仍让观者感受到强烈的震撼。那个瘦小的身躯、烦恼的灵魂，是何以产生出这样惊人的创造力的呢？ 他写道：“我为了工作而筋疲力尽，从未有人像我这样工作过。我除了夜以继日地工作外，什么也不想。”他很富有，却只肯用极少的面包和酒来维持自己的生命。他被仇恨他的人称为“贪婪”，却一生都在帮助高贵而经济拮据的人、不幸的穷人、有女儿要出嫁或入修道院的、认识的、不认识的等等。他把痛苦当成“逆则圣”之路的阶梯，“千万的欢乐不值一单独的苦恼。”乐于这样生活的人，显然已经悟到“苦恼和痛苦使人成长并超越”这个真理了。“生于忧患，死于安乐。”何况还有神一直在心中、在身边。 左图：《末日审判》（局部），圆圈部分为巴尔多禄茂手提人皮，人皮的面部是米开朗基罗的自画像。  右上小图：西斯廷教堂天顶画局部，利比亚女先知（The ...

“故天将降大任于斯人也，必先苦其心志，劳其筋骨，饿其体肤，空乏其身，行拂乱其所为，所以动心忍性，曾益其所不能。”孟子的这篇《生于忧患死于安乐》好像在预示米开朗基罗的人生。 米开朗基罗 米开朗基罗（Michelangelo Bounaroti，公元一四七五年至一五六四年）是意大利一位才华耀眼的艺术大师。他的雕塑《大卫》直到今天还是每个学画者必然临摹的教材。他集雕塑家、画家、建筑家、诗人于一身，在大约七十六年的创作生涯中，历经坎坷，却创造出大量成为文艺复兴高峰期代表作的恢弘作品，为人类文明增添了壮丽的篇章。 然而，以其超凡的构思能力和精湛的表现能力，米开朗基罗给后世留下的自画像却似乎只有一幅。从这幅稀有的肖像画中，我们看到了什么？从他史诗般的雕塑、湿壁画和诗歌作品中，我们又得到了什么呢？ 自画像 米开朗基罗的西斯廷教堂天顶壁画，让人们仰望时情不自禁地赞叹。因作品是如此杰出，他在三十七岁完成这组壮丽的天顶壁画后，就被世人尊为“神圣的米开朗基罗”。而同样是名画的米开朗基罗自画像，反而很少有人静下心来反复端详，一“丑”以蔽之。 据说，完成西斯廷天顶壁画的创作期间，教皇时常意见不断，甚至拖欠工资，米开朗基罗的兄妹也常跑来向他伸手要钱。他努力专注身心，把全部精力注入创作；历经四年作品完成时，三十七岁的他已经孱弱得像个老人。那么，自画像中这位，是三十七岁时的米开朗基罗呢？还是六十岁以后的模样？                     ...

宋朝年间，永嘉城附近有一个乡村，乡村里住着一对姓项的夫妇。这对夫妇生活虽然贫困，却非常喜欢帮助人。他们把家里唯一的一把伞，让一位过路的老妈妈撑去。他们把米缸里的米，一碗碗赒济给比他们更穷困的亲戚。他们脱掉棉袄披在遭受火灾的乡亲身上。 一天晚上，夫妻俩煮好了一锅饭正想吃，不料光影朦胧中闪进来一个怪人。这人身体长得圆圆滚滚，手脚合起来像只打足气的皮球，可是头却长长尖尖，头顶心像一节笔直的山峰，他的下巴上留着一蓬白胡子，一看便知道是位上了年纪的人。 他不客气地坐在项家夫妻的饭桌旁，高声嚷着：“ 相请不如碰巧，碰巧不如撞着，香喷喷、热呼呼的大米饭呵，让我太公吃个饱。” 宋朝年间，永嘉城附近有一个乡村，乡村里住着一对姓项的夫妇。（图片来源：Pixabay） 他不等主人应允便动手盛饭吃，饭到他嘴里显得特别香甜，三扒两划就将一大锅子饭吞光了。他觉得嘴巴还馋，便又提出要求：“ 好饭好饭，再煮一锅让我尝；饭香饭香，再来一锅让我端。” 两个老实的夫妇，不忍拒绝老人的要求，互相对望了眼，又去淘米了。老人的肚皮像座橡皮仓库，又接连塞进几锅子饭，直把项家的米缸掏空了，方才拍拍肚皮说：“ 呵，真的饱了！你们给我吃了那么多东西，感谢感谢！为了报答你们，我太公决定不走了，就住在你们项家！” 太公边说边打哈欠，圆滚滚的身体东倒西歪。项家两口子忙进内屋，将自己的床铺整理干净，然后扶太公进去，太公一躺下便睡着了。 他俩踮着脚退到门外，将房门掩上，便坐在门槛上休息。太公打呼，呼噜呼噜。项家两口子的肚子饿得咕噜噜。太公盖着棉被暖烘烘，项家两口子冻得冷飕飕。 项家男主人想：有一点吃的东西就好了。项家女主人想：有件破棉袄披披也不错。 奇怪，两口子心里的话，竟被睡熟的太公知道。老人家的呼噜声停止了，从门缝里传出一句话：“ 你们想要什么，就说一声：‘ 太公，我要什么。’ 我可以满足你们。” 男的饿不过了，不好意思地说：“ 太公，我要热呼呼的大米饭！” ...

                           莫扎特雕像（123RF） 沃尔夫冈・阿玛迪乌斯・莫扎特(Wolfgang Amadeus Mozart,1756.1.27-1791.12.5)奥地利人，著名古典音乐作曲家。传统以来都将他作为维也纳古典主义的代表人物。他出生于奥地利，父亲是萨尔斯堡的宫廷乐师。莫扎特仿佛就是为了给人类创作美妙的音乐而降临人世的。他名字中的“Amadeus”，意为“上帝的宠儿”。 莫扎特的肖像（公有领域） ...

古代对女子的教育是很细致且系统的，因此让受到中华传统文化薰陶的女性呈现出温婉善良、贤淑美好的模样。（图片来源：国立故宫博物院） 约束着古代女子思想道德的《女儿经》成书于明朝，作者已经不可考。不少人仔细翻阅了这一本针对古代女子进行思想道德教育的古籍后，往往惊叹，在几百年前的古老中国，对女孩子的教育就已经如此细致并如此的系统。如果每个小女孩都能按照《女儿经》上的要求，来为人之女，成人之妇，做人之母，将传统中华文化中那些美好的品德承传接续下去，那中华传统文化薰陶下的女性该有多么温婉、善良和贤淑美好啊！ 虽然很多人觉得自己时时事事，一思一念都有世间的道德规范做为指导，但未必真正知晓生活中的细节到底该怎么样做到位。因此，在阅读了《女儿经》后，真的会很有启发的，笔者在此特地分享一点浅思给大家，以期每位女子都能符合传统中华文化的温、良、恭、让之楷模。 现在就一起来看一些片段吧： 1、 做女子 “ 女儿经，仔细听。早早起，出闺门。烧茶汤，敬双亲。勤梳洗，爱干净。学针线，莫懒身。” 开篇的要求，就是女孩子要早早起，梳洗干净，为父母烧茶倒水问早安。先不说我们自己是否早上都要问候父母并烧茶汤，我们自己的孩子对我们有这样的礼数吗？如果没有，那就是我们教育的缺失了。 “ 父母骂，莫作声。哥嫂前，请教训。火烛事，要小心。穿衣裳，旧如新。” 对于喜欢网购的女子，喜新厌旧的不断买新衣服，与家人沟通经常争辩抢白的，看看上面这个跃然纸上的朴素温婉的女孩形象，应该多少会有所触动。 再如 “ 修己身，如履冰。”    “ 坐起时，要端正。举趾时，切莫轻。” 女孩子家或女人家，坐、卧、站起都要轻盈、端正、舒缓。对于性格外向，喜欢雷厉风行的女子，更需要时时提醒自己 ...

斗转星移，人类在漫长的历史中建立了一个个辉煌的文明。然而，在时间的长河里，新的文明不断地取代着旧的文明。人们已不再能听懂古老的语言，不再能看懂上古的文字，但是历史并没有因此而离开人类的记忆。因为，那满载着人类一步步足迹的绘画、雕塑、建筑告诉了我们当时的人是如何执着地追求着心中那份纯真的善与美。今天，人们的审美观变了，房屋的形状变了，人们的衣着不再如同从前，甚至绘画的材料都已发生了变化。然而，人们对于美的追求从来不变，对于神圣艺术的期盼从来不变，因为那直接源自于人的纯真本性。 古希腊哲人亚里士多德认为艺术模仿自然，而模仿的作品令人产生兴趣和愉悦的快感。西方正统艺术追求写实和逼真，要求达到真实。东方文化则注重内涵，艺术上强调“写意”，讲究“神似”而不十分注重“形似”，事实上这种东方艺术也要求达到真实，只不过是从另一面体现出“意”和“神”的真切。总之，无论东方或西方的正统艺术都极力求“真”，不同层面的侧重点体现了不同风格的美。 纯真即善。无论是皆大欢喜的圆满故事还是旨在唤醒人怜悯之心的悲剧诗篇，以这些故事情节为背景的绘画、雕塑作品无一不是在表现着一个共同的主题――东方叫“善”，西方叫“爱”。美术史上无论是在数量上占绝大多数的宗教题材名作，还是在风格上独树一帜的民俗绘画，都在致力于体现艺术家对“信义”的追寻和对“博爱”的呼唤。人性本善，人性使然。 可见，艺术是人类道德的先锋，历史上集大成就于一身的艺术家们无一不在为提升人类的道德而努力耕耘。艺术体现着人类的价值观，也影响着人类的价值观。懂得对艺术思考的人也会懂得思考人生的价值。 传统油画技法探究 达芬奇《圣母子与圣安娜》（公有领域） 油画在大约15世纪时起源于欧洲，多用亚麻子油或核桃油调和颜料，在经过处理的布或板上作画。因为油画颜料干后不变色，多种颜色调和不易变脏，画家可以画出层次丰富、造型逼真的色彩。油画技法绚丽丰富，颜料使用可透明可不透明，厚画时覆盖力强，所以绘画时甚至可以由深到浅，逐层覆盖，丰富的色层还能使绘画产生材质肌理的立体感。 就这样，种种优秀的材料特性让油画适合创作大型、史诗般的作品，很快成为西方绘画史中的主体绘画方式。因此，现在存世的西方绘画作品主要是油画作品。虽然19世纪后期，由于科技发展，产生了许多新材料应用于油画领域，如丙烯颜料，但油画仍然在西方架上绘画这一领域占主导地位。 通常画油画使用木炭条之类易擦拭修改或方便覆盖的工具勾出形体，然后逐步在准确的形体上涂上颜色开始绘制，逐步完善色彩和造型，最后使用不同颜色的透明油彩反复渲染直至作品完成。 但对于一些画得较厚一点的油画作品，往往有人就习惯于边上色边出形，因为那样画形体的改动可以自由许多，作者也不追求完成后作品表面形成平滑的油层肌理，考虑的因素主要是构成整体画作中绘画方面的因素，而较少考虑肌理或那些精细入微的细节的光亮平整等等，也就是从更整体和更大处着眼。 《圣母升天》（As-somption de la Vierge），湿壁画，1093 x 1195厘米，意大利艺术家柯列乔（ Correggio）于1526-1530年间为巴马市的圣・乔万尼大教堂圆拱穹顶所作。由于强烈的透视，画家将画上的人物分成不同远近层次的团体，绘制时一组一组地完成。由于“近实远虚”的透视法原则，最远处的那些天使几乎完全“虚”入了金黄色的光芒之中，成功地表现一个层层向上延伸直至光明的天堂的壮丽景象。（公有领域） 《圣母升天》湿壁画局部， ...

斗转星移，人类在漫长的历史中建立了一个个辉煌的文明。然而，在时间的长河里，新的文明不断地取代着旧的文明。人们已不再能听懂古老的语言，不再能看懂上古的文字，但是历史并没有因此而离开人类的记忆。因为，那满载着人类一步步足迹的绘画、雕塑、建筑告诉了我们当时的人是如何执着地追求着心中那份纯真的善与美。今天，人们的审美观变了，房屋的形状变了，人们的衣着不再如同从前，甚至绘画的材料都已发生了变化。然而，人们对于美的追求从来不变，对于神圣艺术的期盼从来不变，因为那直接源自于人的纯真本性。 古希腊哲人亚里士多德认为艺术模仿自然，而模仿的作品令人产生兴趣和愉悦的快感。西方正统艺术追求写实和逼真，要求达到真实。东方文化则注重内涵，艺术上强调“写意”，讲究“神似”而不十分注重“形似”，事实上这种东方艺术也要求达到真实，只不过是从另一面体现出“意”和“神”的真切。总之，无论东方或西方的正统艺术都极力求“真”，不同层面的侧重点体现了不同风格的美。 这是卢浮宫的一处顶棚。像这样描绘歌颂神和天使的天顶画散布于卢浮宫众多廊庭之中，比比皆是。此作面积不大，但金与白交织的浮雕旋律以巨大的装饰面积、丰富多姿的造型，渲染了装饰着金色花环外框的天顶画。远远望去，绘画作品宛如戒指上多彩的宝石一样美丽别致。（123RF） 纯真即善。无论是皆大欢喜的圆满故事还是旨在唤醒人怜悯之心的悲剧诗篇，以这些故事情节为背景的绘画、雕塑作品无一不是在表现着一个共同的主题――东方叫“善”，西方叫“爱”。美术史上无论是在数量上占绝大多数的宗教题材名作，还是在风格上独树一帜的民俗绘画，都在致力于体现艺术家对“信义”的追寻和对“博爱”的呼唤。人性本善，人性使然。 可见，艺术是人类道德的先锋，历史上集大成就于一身的艺术家们无一不在为提升人类的道德而努力耕耘。艺术体现着人类的价值观，也影响着人类的价值观。懂得对艺术思考的人也会懂得思考人生的价值。 素描 素描是一种用单色绘画材料描绘生活事物的绘画形式，其使用材料有干性与湿性两大类，其中干性材料如：铅笔、炭笔、色粉笔、蜡笔、炭精条、银笔等；而湿性如水墨、钢笔、签字笔、苇笔、竹笔等。习惯上素描是以单色画为主，但通常风格较为随意的小型水彩画也属于素描。 谈到素描，往往许多艺术家都只画速写或速写性的素描。（速写即快速绘画，大部分的速写其实都是快速的素描，仅快速勾勒出轮廓、形体，而不加绘肌理、光影的细节。）因为美术家们都将主要的精力放进其严肃的色彩或雕塑作品创作中，而那些为创作做准备工作的小稿或单色草稿就理所当然地成为了速写作品。 这幅题为《居勒里》的素描是19世纪法国画家居夫罗伊的作品，画家用铅笔和淡水彩在大小为19.5 x 25厘米的纸面上，以轻盈的笔触描绘出了法国历史上著名的居勒里宫花园内优雅的景致。居勒里宫在法国王后卡特琳•梅迪奇的倡导下建于1564年，由于紧邻卢浮宫，居勒里宫在日后的历史中成为数代法国国王的寝宫，并且随着法国国力的强盛逐渐收藏了大量人类历史上的艺术珍品，曾经是法国史上各类宫殿中的骄傲。然而1871年5月，共产主义始祖巴黎公社面临失败时，在居勒里宫和邻近的卢浮宫内点火，决定以“革命的恐怖”烧毁所有这些人类历史上最完美的艺术瑰宝，（当时巴黎公社决定烧毁的还有巴黎市政厅、王宫（Palais Royal）等满载艺术珍品的标志性建筑）因此居勒里宫被完全焚毁，卢浮宫的花廊和马尔赞长廊被焚毁，但主体建筑和大量艺术品幸免遇难。 当然，也有的艺术家只画素描，有的艺术家只画单色作品，这都是其自身的特点和个人的喜好、个人特色或风格，也都是艺术丰富性的体现。 色彩画家们的速写作品大多是为了草图性质的艺术功用，那是完全合理的。从这一点上看，哪怕很草的东西都没有错，因为那是为色彩作品打稿的，当然以方便、作者自己能看懂为第一性。 但是，这种草草几笔乱画的东西，如果不是为了艺术家下一步严肃的全因素创作铺路，而是想使其自身单独成为艺术作品，令其涂鸦自己说话――如果那几笔很没有功底的话 ――就还是努力将其严格地画成黑白灰全因素素描或严肃的速写作品吧，因为那样至少也会有其较为正式的、具有美感的线条或块面。 纯粹的涂鸦是不可以称之为艺术品的。 全因素的素描作品，其实是把素描看作是一个单独的画种，所以其成品也就是全因素黑白灰的；而在许多黑白稿性质的素描或速写作品中，素描和速写成为了色彩作品的起稿或准备阶段，那是为完成色彩作品的一个过程中的东西，所以不能单独成立。 ...

斗转星移，人类在漫长的历史中建立了一个个辉煌的文明。然而，在时间的长河里，新的文明不断地取代着旧的文明。人们已不再能听懂古老的语言，不再能看懂上古的文字，但是历史并没有因此而离开人类的记忆。因为，那满载着人类一步步足迹的绘画、雕塑、建筑告诉了我们当时的人是如何执着地追求着心中那份纯真的善与美。今天，人们的审美观变了，房屋的形状变了，人们的衣着不再如同从前，甚至绘画的材料都已发生了变化。然而，人们对于美的追求从来不变，对于神圣艺术的期盼从来不变，因为那直接源自于人的纯真本性。 古希腊哲人亚里士多德认为艺术模仿自然，而模仿的作品令人产生兴趣和愉悦的快感。西方正统艺术追求写实和逼真，要求达到真实。东方文化则注重内涵，艺术上强调“写意”，讲究“神似”而不十分注重“形似”，事实上这种东方艺术也要求达到真实，只不过是从另一面体现出“意”和“神”的真切。总之，无论东方或西方的正统艺术都极力求“真”，不同层面的侧重点体现了不同风格的美。 纯真即善。无论是皆大欢喜的圆满故事还是旨在唤醒人怜悯之心的悲剧诗篇，以这些故事情节为背景的绘画、雕塑作品无一不是在表现着一个共同的主题――东方叫“善”，西方叫“爱”。美术史上无论是在数量上占绝大多数的宗教题材名作，还是在风格上独树一帜的民俗绘画，都在致力于体现艺术家对“信义”的追寻和对“博爱”的呼唤。人性本善，人性使然。 可见，艺术是人类道德的先锋，历史上集大成就于一身的艺术家们无一不在为提升人类的道德而努力耕耘。艺术体现着人类的价值观，也影响着人类的价值观。懂得对艺术思考的人也会懂得思考人生的价值。 大与小 《莱维家宴》（公有领域） 《莱维家宴》，委罗内赛作于1573年，555× 1280厘米，威尼斯学院画廊。意大利画派从来没有忘记他们大型湿壁画的传统，16世纪的威尼斯人开始用巨大的布面油画来表达他们心中对艺术的无限激情。委罗内赛的这幅代表作《莱维家宴》描述了《圣经》中耶稣揭穿犹大伪善面目的“最后的晚餐”的情景。对于这个题材其他画家都会用严谨的笔触、悲愤的基调作画，但是委罗内赛却饰以大量恢宏的场景。全画高约5米半，长度将近13米，气势辉煌雄大，这幅油画和他的另一幅《喀纳婚宴》号称是全世界面积最大的古典油画。 表现出巨大景观的作品往往都很打眼。的确如此，一幅大画是很有气势的。试将一幅70×100厘米的普通幅面作品和一幅700×1000厘米的巨作放在一起展出，如果技艺水平相当，题材类似，更多的人还是倾向于欣赏大的，这很自然。当然能画好巨幅作品本身就体现艺术家的水平，因为要画好大画往往需要比画普通幅面的作品掌握更多的宏观技巧，绘制过程中对作者体力和脑力的消耗更大，对于大形体和大效果的把握则更需水平。 可是同时，也有人喜欢画小幅作品。在很小的作品中表现极其精细的内容并运用类似微雕着色的技巧。其技艺之精可以说画作就是极其精细的工艺品了。这些准确至极的作品耗费不多的资源，却叫人叹为观止。荷兰小画派就是这个类型的代表。 荷兰小画派画家吉拉尔•杜于1660年到1665年之间所作的小型道德寓意画《吹号人》。油画画在木板上，只有38×29厘米的幅面，一本书的大小，但画中的远近人物、环境、甚至衬布的纹理都极其细腻地用画笔表现出来了。在技法上堪称精品中的精品。此作针对当时社会吃喝风气严重的时弊，以描绘吹号为象征的手法隐喻了宗教中所说的“最后审判的号角已吹响”，呼吁人们重拾谦虚谨慎、远离贪欲、敬天奉神的传统美德。此作现藏于卢浮宫。 对于在博物馆或画廊里走马观花的人来说，较大型的展品或许特别令人欢迎。但是也并不一定。有时，一幅两米多高的画不一定比一幅一米多高的受欢迎。因为这也取决于展出位置等方方面面的因素。有时，对于特别大的作品，人们难以将目光一次投满整幅画面，也就出现常说的一眼看不全、看得累等情况。反之，一幅平均一两米的作品，不是太小也不是太大，人们可以一眼看全，思想抓住画面内容的重心也较容易。这样的话，有许多人还是特别喜爱中型的作品。 梵蒂冈西斯汀礼拜堂拱顶（局部）（Wikipedia/CC BY 2.5） 当然，从绘画的角度来看，画画可不是比谁的画布更大或更小，否则那就太好笑了。技艺高超的艺术家无论画幅大小都能画出杰作；技艺不够的画再大或再小的画也还是不好，反而浪费资源。从绘画的具体过程来看，中型的作品较易于展开各种技法，同时作品完成后在运输、装裱、收藏等方面也是比较便利的。 有些分块绘画融会在一起烘托出一个整体的大效果，尤其是一些棚顶壁画，如果每一块都单独成画，则应该给每一小块的边缘加上边框装饰，否则就会“没有规矩不成方圆”，在大的范围得有连续规则并有一定变化的方、圆或弧形以规范每一部份的自由绘画内容，以便于在更大整体上形成一定的次序感，达到正和美的效果。 湿壁画的一个重要特点就是干燥很快，干后的颜色和湿润时的色彩区别巨大，不利于艺术家校对色彩和衔接。因此画湿壁画每次只能快速突击，一次性完成一小块。米开朗基罗就是这样在4年间一块一块地拼出了这整个大型天顶画。西斯汀礼拜堂拱顶的这一整幅湿壁画展现了一位艺术家用个人之力所能创作的最宏大的装饰画。他将拱顶分隔开以分块绘制技法组织画面空间。画中的廊柱其实是用笔画上去以分隔空间的。事实上，在岁月的流逝中，每一块局部都有不同的变色和其它一些变化，但得益于在绘制时的装饰性块面分割，每一块局部的变色丝毫不会影响整个天顶画。画中三百多个人物形象，代表着新柏拉图理论及生命返回到神的主题，是装饰性天顶湿壁画的典范。 ...

大唐名相狄仁杰在中国可谓家喻户晓，妇孺皆知。由于荷兰作家高罗佩《狄仁杰断案传奇》一书的影响，狄仁杰在全世界也有着极高的知名度。 山西省太原狄村是狄仁杰的故里，虽然历代的史志多有记载，但现存除了传说是狄仁杰母亲亲手种植的一株唐槐之外，别无它物。 至于正史《旧唐书》和《新唐书》中，记载的狄仁杰事迹不少，但关于狄仁杰家世的记载只寥寥数笔，语焉不详。 洛阳白马寺内狄仁杰墓（图：Gisling/Wikipedia/CC BY-SA 3.0） 毕竟我们面对的是这样一号大名人，对他的记载却如此简略，现况着实令人感到奇怪。 现代考古学家通过对古墓的发掘，人们能够证实很多曾经发生过的历史，同时也可以为我们的历史研究提供更多的资料证明。 2000年七月，山西省太原市暴雨连天，就在这场大的暴雨过程中，王家峰村一座破败失修的砖窑厂发生坍塌。 当时砖窑厂的厂长立即派人到塌方处查看，结果没想到在坍塌处竟然发现隐藏着一座古墓，负责人当即将这个消息上报，太原文物局派遣考古队前去考察。 经过考古专家细致发掘，他们通过墓志铭发现这座古墓竟然是狄仁杰的先祖狄湛的坟墓。 而根据墓中资料显示，这座千年古墓的墓主人身份是“领民都督”，领民都督是北魏时期对羌族酋长的汉化称呼，可见狄仁杰的祖先狄湛是羌族首领，东魏时期还曾官拜将军，那么狄仁杰也就是少数民族出身。 狄仁杰的扬名在唐高宗李治在位期间，他受到皇帝信任而得以担任大理寺丞，主要处理朝廷案件。让人惊奇的是，狄仁杰仅仅耗费一年时间便查遍大理寺积压的陈年旧案，当即判决一万七千人。更让人感到惊叹的是，在这些人当中，居然没有一人喊冤。 办事干练的狄仁杰凭借精准的断案手段迅速在朝廷走红，深得唐高宗李治的信任。 后来登基的武则天，则很担心狄仁杰会坏了自己的事情，便一直贬斥狄仁杰，但受到李唐王室和众大臣的极力反对。 武则天为了维护统治，不得不做出不情愿的决定—再度重新起用狄仁杰。再度站上朝堂的狄仁杰，自然是以社稷苍生为重，竭力保护李唐社稷。 后来武则天在晚年时接受了狄仁杰的劝说，同意改立李显为皇帝继承大统。因此，即使狄仁杰是羌人出身，却在李唐国祚上贡献巨大。 如今狄仁杰的隐秘身世通过这一处古墓，赫然地展现在世人面前，后人均不须再多方臆测，即能凭此而了解狄仁杰的来历。 ...

2022年为黄历壬寅虎年。因此，“虎”成为了大家关注的热门话题。“虎”在一般人的心目中，是一种凶猛、可怕的代名词。但是，看似可怕的老虎，也有其令人印象深刻的正向特质喔！ 在中国几千年的历史发展过程中，老虎具 有着勇猛威望的形象，常常与龙并称，如 “云从龙，风从虎”的说法。（图：张大千/ 公有领域） 老虎除了具有身手矫健、勇猛威风的优点之外，还是驱邪避灾、平安吉祥的象征。祝福大家在新的一年里，都能虎虎生风，拥有龙腾虎跃的一年！ 百兽之王 老虎是肉食动物中最强悍的动物之一。世界上最大型的老虎是生长在中国东北的满州虎，身长3至3.5公尺，体重超过300公斤。满州虎额头上的三条横纹，配上鼻梁上特有的黑色虎纹，看起来就像一个王字。 老虎有锐利的犬齿、锋利的爪子，它集速度和力量于一身，是完美的捕食者。 有一个成语叫“虎啸生风”，就是形容老虎的吼叫声，能让其它的动物不寒而栗，因而老虎有“百兽之王”的称号。 勇猛威望的象征 在中国几千年的历史发展过程中，老虎具有着勇猛威望的形象，常常与龙并称，比如：在《周易•乾卦文》中就有“云从龙，风从虎”的说法。因为龙飞于天，虎行于地，所以虎与龙结合在一起，便成为雄伟强盛的象征，是人们崇拜并畏惧的对象。 因而，人们常习惯用“生龙活虎”、“龙腾虎跃”、“藏龙卧虎”、“如虎添翼”、“将门虎子”，或“不入虎穴，焉得虎子”等成语来赞扬生活中的人、事、物，并逐渐形成了中国独特的虎文化。 在古代，为了借虎威以壮军威，将军多用虎皮挂在帐中，或铺于座上，将军所在的营帐称为“虎帐”，将军的威风称为“虎威”，骁勇善战的将领称为“虎将”，勇士、壮士称为“虎贲”。 《三国演义》中关羽等五位蜀汉将军就被称为“五虎上将”，时至今日，军中勇将和竞技好手仍被称为“虎将”，足见虎的威望形象早已深植于人们的心中。 吉祥物与保护神 在中国的传统文化中，老虎除了具有强悍及勇猛威风的特质之外，而且还是驱邪避灾、平安吉祥的象征。 从商周到春秋战国，“虎”的纹饰主要为达官贵人所享用。王族用虎皮做车饰、旌饰、冠饰；官员出街入巷也要打出驱散人群的虎头牌，摆出虎驾、虎威。秦朝建立统一帝国后，“龙”成为君王权力的象征，从此“虎”隐入民间，成为百姓心目中的吉祥物和保护神。 ...

弃恶从善 恶果变善果 有人说：某某并未行善，反而发家致富；某家仁善好施，出现事业蹇滞，是何道理？这种情况时有所见。何也？作恶发家，只因祖宗积有善德，德泽浓厚，荫在子孙，故而享福。为善之家，如果祖有业缘，在目前虽然不顺，可是恶报还完，定然发福。 清朝末年，在京东卢龙境内，有个老员外叫赵德芳，人旺财旺，富足丰食，老两口有三个儿子，而且都娶了媳妇。 行善却生败家儿？因果报应你看懂了吗（图片来源：Pixabay） 老员外六十大寿的时候，跟三个儿子讲，自己用一杆灌了铅的秤，大秤进小秤出坑过很多人，做黑心生意赚了钱，曾算计害死了一个卖棉花的和一个卖药材的商人，其他被坑害的不计其数。如今良心发现，想到那些被坑的商人，就觉得如坐针毡、寝食难安。他决定弃恶从善，并自此乐善好施，做了很多善事。 但不幸的事情却接踵而至，在一个月的时间里，大儿子得暴病死了，大儿媳妇改嫁；接着是二儿子暴病死了，二儿媳也改嫁；最后是三儿子暴病死了，三儿媳妇因有孕在身，没能改嫁。 家里连遭丧事，使赵德芳很难过，他不明白为什么以前做坏事儿孙满堂发财致富，如今积德行善，反倒丧门星进门，便开始怀疑因果报应之说。 这一日，赵员外的三儿媳妇要临盆了，却连续三天三夜生不出来。请了不少接生婆都束手无策。正在这时，一个游方的和尚到门前化缘。听说此事便告知有催生良药，吃下去保证立时生。 赵员外赶紧把和尚请进来。三媳妇吃了和尚的药果然生下一个男孩。赵德芳听说得了孙子，大喜，对和尚千恩万谢，摆席谢和尚，席间老员外请教和尚为什么他弃恶从善却恶报连连。 和尚听后哈哈一笑，说：“ 你不必乱想，善恶因果的报应确实是如影随形、毫厘不差的。我告诉你，你大儿子就是那个被你害死的卖药材的商人，他投生你家是来找你要账的；你二儿子是那个被你坑害死的卖棉花的商人，转生到你家给你败家来了；你三儿子也是你欠下的业债造成的孽缘，他本要给你闯下塌天大祸，而你最终会病痛穷极饿死。皆因你改恶行善改变了自己的命运，上天慈悲于你，先后把你三个败家儿子统统收去，你这才能逢凶化吉、遇难呈祥。现今你的业报已经还完了。你这个孙子，将来能给你光宗耀祖，改换门庭。这是你行善积德得来的福报。” 赵德芳听了，如梦方醒，也更加明确了善恶果报的天理。和尚又问：“ 你知道秤为什么用十六两吗？这十六两，代表北斗七星，南斗六星，外加福禄寿三星，所以，你少给别人一两损福，少二两损禄，少三两损寿，给别人越少，损自己越多。你想想，一杆黑心秤，造了多少孽？” 赵德芳听了，只觉背后冷汗直冒，脑皮发麻，感到后怕。虔诚的再次感谢和尚开导指教。发自内心的深信善恶因果报应分明，丝毫不昧不爽的道理。  

斗转星移，人类在漫长的历史中建立了一个个辉煌的文明。然而，在时间的长河里，新的文明不断地取代着旧的文明。人们已不再能听懂古老的语言，不再能看懂上古的文字，但是历史并没有因此而离开人类的记忆。因为，那满载着人类一步步足迹的绘画、雕塑、建筑告诉了我们当时的人是如何执着地追求着心中那份纯真的善与美。今天，人们的审美观变了，房屋的形状变了，人们的衣着不再如同从前，甚至绘画的材料都已发生了变化。然而，人们对于美的追求从来不变，对于神圣艺术的期盼从来不变，因为那直接源自于人的纯真本性。 古希腊哲人亚里士多德认为艺术模仿自然，而模仿的作品令人产生兴趣和愉悦的快感。西方正统艺术追求写实和逼真，要求达到真实。东方文化则注重内涵，艺术上强调“写意”，讲究“神似”而不十分注重“形似”，事实上这种东方艺术也要求达到真实，只不过是从另一面体现出“意”和“神”的真切。总之，无论东方或西方的正统艺术都极力求“真”，不同层面的侧重点体现了不同风格的美。 卢浮宫德农馆中部建筑穹顶一览 (摄影/李东尼) 纯真即善。无论是皆大欢喜的圆满故事还是旨在唤醒人怜悯之心的悲剧诗篇，以这些故事情节为背景的绘画、雕塑作品无一不是在表现着一个共同的主题――东方叫“善”，西方叫“爱”。美术史上无论是在数量上占绝大多数的宗教题材名作，还是在风格上独树一帜的民俗绘画，都在致力于体现艺术家对“信义”的追寻和对“博爱”的呼唤。人性本善，人性使然。 可见，艺术是人类道德的先锋，历史上集大成就于一身的艺术家们无一不在为提升人类的道德而努力耕耘。艺术体现着人类的价值观，也影响着人类的价值观。懂得对艺术思考的人也会懂得思考人生的价值。 黑暗与光明 崇高的灵魂不堪在黑暗的泥泞中挣扎而向往回归那光明的彼岸，纯洁的光之旋律始终在心底演奏着希望的圣歌。即使在墨色的黑暗中，人们对光明的期待始终不灭，因为那源自于人性对善的执着求索和对先天纯真的美好期许。自古以来，对黑暗与光明的表现几乎存在于每一幅艺术作品中。在欧洲，油画则是最常见的表现形式。 油画在西方绘画中的主导地位是显而易见的。虽然在今天，作画的方式不再过分陷于过去的各种旧理陈规之中，然而对传统油画技法及风格的掌握和熟练运用仍然是进行艺术创作所必不可少的基本功夫。油画由于材料本身的原因表现在色彩及绘画质地上往往是很凝重的。可是如果因为这样而有意去追求阴沉的色彩，并以追求油画凝重感为借口，那就会偏离正确的艺术创作方向。因为艺术要表达的其实是善、是光明的价值，而绝非阴暗和颓废的观念。 油画相比于水粉画而言，不易产生粉气的弊病，所以这是一种很好的表现材料，尤其对于光感的表现，白色、黄色和其它浅色的确是要运用得多一些。但如果认为对白色的使用会使画面增加难看的粉气，那就是片面的说法。因为粉气与否是色彩关系总的效果，而不是某一种颜色所能形成的。同时，这类思想框框也经常影响艺术家的艺术发挥。当艺术家着眼于大处，堂堂正正地去表现光明与纯善之时，又有什么所谓的技法教条可以去限制他呢？浅调或中调的艺术作品也一定能够表现出更为完美的艺术，而往往是一些只懂一点皮毛和只会用片面的眼光观察事物的人才会说，如果不把画面涂成全黑就不是油画，不表现点阴森的东西就没有性格或表现光明的行为是行画的手法等等。 事实上，暗色作为色谱中的成员，理当受到良好的待遇。因为没有深色的映衬，浅色也很难在对比之中发挥更大的作用。同时，在各式各样的艺术作品中也不可能没有多样性，不可能所有的作品都是一种颜色或一个色调的。因此，在各种各样的绘画作品中当然应该有各种色调的作品形式，只不过不可以把每幅画全画成黑色的基调。       这是荷兰画家伦勃朗•凡•雷因1633年       这是画家伦勃朗•凡•雷因1660年时的 ...

埃米尔 • 穆尼尔。（图片来源：维基百科）                   埃米尔 • 穆尼尔，法国学院派古典主义画家。一生主要从事人物画创作，其作品用色明亮光鲜，人物造型俊美动人。他笔下儿童、母亲形象个个温馨可爱，表现了人类崇高的人性与母爱。穆尼尔用色明亮光鲜，人物造型俊美动人，结构关系和明暗处理严谨，有典型的学院派绘画风格，埃米尔 • 穆尼尔是19世纪下半叶法国有影响力的人物画家。 埃米尔 ...

斗转星移，人类在漫长的历史中建立了一个个辉煌的文明。然而，在时间的长河里，新的文明不断地取代着旧的文明。人们已不再能听懂古老的语言，不再能看懂上古的文字，但是历史并没有因此而离开人类的记忆。因为，那满载着人类一步步足迹的绘画、雕塑、建筑告诉了我们当时的人是如何执着地追求着心中那份纯真的善与美。今天，人们的审美观变了，房屋的形状变了，人们的衣着不再如同从前，甚至绘画的材料都已发生了变化。然而，人们对于美的追求从来不变，对于神圣艺术的期盼从来不变，因为那直接源自于人的纯真本性。 古希腊哲人亚里士多德认为艺术模仿自然，而模仿的作品令人产生兴趣和愉悦的快感。西方正统艺术追求写实和逼真，要求达到真实。东方文化则注重内涵，艺术上强调“写意”，讲究“神似”而不十分注重“形似”，事实上这种东方艺术也要求达到真实，只不过是从另一面体现出“意”和“神”的真切。总之，无论东方或西方的正统艺术都极力求“真”，不同层面的侧重点体现了不同风格的美。 纯真即善。无论是皆大欢喜的圆满故事还是旨在唤醒人怜悯之心的悲剧诗篇，以这些故事情节为背景的绘画、雕塑作品无一不是在表现着一个共同的主题――东方叫“善”，西方叫“爱”。美术史上无论是在数量上占绝大多数的宗教题材名作，还是在风格上独树一帜的民俗绘画，都在致力于体现艺术家对“信义”的追寻和对“博爱”的呼唤。人性本善，人性使然。 可见，艺术是人类道德的先锋，历史上集大成就于一身的艺术家们无一不在为提升人类的道德而努力耕耘。艺术体现着人类的价值观，也影响着人类的价值观。懂得对艺术思考的人也会懂得思考人生的价值。   《喀纳婚宴》是意大利画家委罗内塞于1562-1563年所作。画幅达到6.77 x 9.94米，是卢浮宫里最大的布面油画，气势磅礴，人物众多，呼之欲出，堪称威尼斯画派的典范。（公有领域） 南与北 星河倒转，回溯千年前的欧洲，阴暗潮湿的城堡伴随着中世纪凝重的气息。僧侣们浓郁深沉的祈祷声仍然环绕在雨雾飘蒙的城镇里。神秘的暗色世纪还没有完全走完他的行程，但已接近尾声。 哥特式教堂里的彩色玻璃记载着人们对神虔诚的敬仰，此时的艺术家们大多数都是僧侣，依靠教会的力量得到当时极其昂贵的颜料、画笔、艺用大理石、镶嵌用金箔及其它各类艺术创作工具原料。然而在南欧和北欧，人们对神赞美的方式却有着风格上的极大不同。 北欧文明的建筑文化是建立在木材的使用基础之上的。这一特点极大的决定了斯堪的纳维亚地区祭坛画的木质基底。由于木材特性和当时木料拼接工艺不完善的限制，北方祭坛画往往幅面较小。从一些演变的作品可以看出，刚开始的北方小板画还处于很呆板的人物形态与姿势，而作品也一直处于小画板或书本装饰形式。尽管其风格因幅面小而日趋细腻，可以在细节上吸引人，但相比作者所付出的精力与随之带来的过分拘谨所造成的单调、呆板，其作品往往使人感到得不偿失。 布拉克家族三折屏风祭坛画的中幅，尼德兰画师 凡•德•威顿作于1451年。此作是早期北欧画派的 代表作之一，画幅长度不到1米，画面细腻但由 于过分拘谨造成人物造型略显呆板。 （此作现藏于卢浮宫） 然而，在远离寒冷和北国冰雪覆盖的南方，温暖的气候、和煦的阳光更能鼓励艺术家们赞颂美的激情。在这里，巨幅的湿壁画和对大幅帆布的使用顺应了南欧的气候特点。比如意大利绘画在其发展中一直保持着不太过分注重细节而更注意大幅的整体效果，这些都来源于湿壁画需要快速完成及趁湿方便衔接的材料特性。 ...